6 Técnicas de Ilustración  |
| por Alexander Lucchesi Desde mi niñez me a encantado dibujar, todo empezó específicamente en 1er Grado he tenido mis propios cuaderno para colorear, siempre veía a mis demás compañeros dibujar junto a mi. Sin embargo observaba a mis otros compañeros y me daba cuenta que sus dibujos eran mas detallados que los míos, desde entonces me enfoque en mejorar mi estilo de dibujo, en el proceso descubrí 6 métodos artísticos que me ayudaron a renovar mis habilidades artísticas en el dibujo y que cualquiera que le interese debe conocer. 1. Line art El Line art es cualquier imagen que se compone de distintas líneas rectas y curvas sobre un fondo, es la base fundamental de toda ilustración, sin sombras o tonos para las representación de objetos en dos o tres dimensiones. Los line art son monocromáticos y normalmente se emplea el color negro.  La línea es la encargada de “escribir” una forma. Según el Museo Paul Getty, la línea es un camino identificable creado por un punto que se mueve en el espacio. Es unidimensional y puede variar en ancho, dirección y longitud. De aquí partimos para comprender el significado de line art. El line art me ha ayudado a hacer dibujos mas limpios y lizos, es indispensable si uno quiere dedicarse a la ilustración de comics y diseño de personajes. 2. Sombras Se utiliza para dar la sensación de volumen en dibujo y pintura. El claroscuro y la silueta son ejemplos de técnicas artísticas que hacen un uso deliberado de efectos de sombra. Lo primero que se debe saber para saber ilustrar sombras es como funcionan las luces en un dibujo.  La fuente de iluminación se refiere a la dirección desde donde esta viene para aterrizar en el dibujo. Es de suma importancia tenerla en cuenta para que los otros dos elementos tengan coherencia. La dirección de la luz en el dibujo no es otra cosa que la posiciones colocadas las fuentes de iluminación con respecto a los elementos del mismo. Algunas maneras en las que puedes posicionar la dirección de la luz en un dibujo son las siguientes:
Entonces, si tu mayor duda es cómo dar sombras a un dibujo sin que el resultado se vea artificial, revisa muy bien cada una de las direcciones de luz para retratar correctamente el trayecto de la iluminación en tu retrato. 3. Manos y Pies A la hora de dibujar personajes siempre se me dificulta dos partes importantes del cuerpo humano, las manos y los pies. Las formas básicas de la mano no son perfectamente cuadradas ni paralelas, por lo que no resulta difícil equivocarse al dibujarlas. Al extender y separar los dedos, estos apuntan en direcciones distintas. Y debido a que el origen y la longitud de los dedos difieren, las articulaciones tampoco se alinean. También debes tener en cuenta que el rango de movimiento del pulgar es distinto al del resto de dedos.  En cuanto a los pies, las almohadillas que hay bajo los pies y los dedos se encuentran en el exterior de la planta para mejorar la estabilidad al caminar. Este es el lado que está más en contacto con la superficie del suelo y el que forma las huellas que dejamos al caminar sin calzado.  Otro detalle es que los dedos de los pies no están dispuestos en línea recta. El segundo dedo del pie se encuentra un poco más arriba que el resto. El cuarto dedo y el dedo meñique se curvan algo más y tienden a terminar con una forma ligeramente más puntiaguda. Dicen que un buen artista se conoce por la forma en la que dibuja las manos y pies, pero no existe una técnica infalible para aprender como dibujarlas, pues cada quien evoluciona a su ritmo, creo que la verdadera clave esta en nuestros ojos al interpretar las formas. Con base en esta habilidad podremos decir adiós al trauma de dibujar manos y pies. 4. Fondos Luego de dibujar uno o varios personajes siempre se me viene a la mente ¿Cómo se vería con un fondo tras el?. Probablemente los fondos puedan parecer algo intimidantes para cualquiera que empieza a dibujar, sin embargo una vez que agarras la técnica se hace mas fácil.   5. Perspectiva Gracias a la perspectiva, las imágenes planas o 2D pueden adquirir tridimensionalidad. Para lograr este efecto, es necesario dibujar los elementos cercanos a la cámara con un mayor tamaño que los lejanos. La perspectiva lineal es la más conocida, consiste en dibujar los objetos cada vez más pequeños hasta que desaparecen al llegar al llamado punto de fuga. Las perspectivas lineales constan de puntos de fuga, y todo lo demás se basa en las líneas que conducen a ellos.  También esta la perspectiva aérea que consta de tres puntos de fuga. Al agregar un tercer punto de fuga encima o debajo del punto de fuga de la perspectiva con dos puntos, puedes hacer que la cámara mire hacia arriba o hacia abajo a un objeto.
Al dibujar desde estos ángulos, se forma una distorsión o transformación denominada distorsión de la perspectiva. La perspectiva con tres puntos de fuga se utiliza para conseguir este tipo de distorsión óptica.  Dibujando líneas diagonales podemos dividir un elemento dibujado en perspectiva. Esta técnica suele usarse para dibujar objetos como las ventanas de los edificios.  Si estamos trabajando con una perspectiva de uno o de dos puntos de fuga, es muy sencillo dividir un objeto en dos partes iguales. Para ello, solo necesitas trazar una línea vertical en perpendicular al horizonte que pase por el punto en el que se cruzan las diagonales (punto A). Para una perspectiva con tres puntos de fuga, conectamos el punto de fuga que refleja la altura al cruce de las diagonales. Si podemos dividir un objeto en dos, de la misma también podemos dividirlo en cuatro. También es posible dividir objetos en tres partes añadiendo dos líneas más. Para ello, conectamos el punto B (ver dibujo arriba a la derecha) a las esquinas inferiores (puntos C y C’) y trazamos líneas verticales sobre los dos puntos en que se cruzan con las diagonales anteriores (puntos D y D’). Estas nuevas líneas verticales dividirán el objeto en tres partes iguales.  Esto me ha ayudado en montón a la hora de dibujar cualquier tipo de perspectiva, ya sea arriba, abajo, a un lado o con profundidad.  6. Teoría del Color Es una guía que estandariza todo lo que sabemos sobre el color: definiciones, categorías, relaciones y efectos para su aplicación en las artes visuales, diseño de interiores y diseño gráfico. Ningún color está al azar en un diseño. Cuanto más conozcas todo lo que hay detrás de su elección, mejor entenderás la importancia de la teoría del color. Es la que explica por qué ciertos matices, sombras y tonos se llevan mejor y transmiten armonía, logrando resaltar un logotipo o un gráfico que acompaña un texto. Aun sin conocer las bases de la teoría del color, nos vemos influenciados por la manera en que los diseñadores crean una pieza o ambientan un espacio: tomamos decisiones gracias a la armonía que encontramos entre los tonos y la forma. Y si está todo bien hecho, obtendrá el efecto deseado por sus creadores, ya sea para hacer más lucidor un artículo o atraer a un cliente a un anuncio en especial.  Los colores primarios: Son aquellos que no puedes crear desde cero al combinar dos o más colores. En eso se parecen mucho a los números primos: no pueden formarse al multiplicar otros dos números juntos. Existen tres colores primarios: Rojo, Amarillo y Azul Los colores secundarios: son los que se forman al combinar dos de los tres colores primarios listados arriba. Revisa el círculo cromático: ¿ves cómo cada color secundario es compatible con dos de los tres colores primarios? Existen tres colores secundarios: naranja, púrpura y verde. Estas son las reglas generales para crearlos:
Lo más importante de Los colores terciarios es que no todos los colores primarios coinciden con uno secundario para darle vida a un terciario. Por ejemplo, el rojo no se mezcla armónicamente con el verde, y el azul no lo hace tampoco con el naranja; ambas combinaciones resultarían en un color ligeramente marrón (a menos que, por supuesto, eso sea lo que estás buscando). En realidad, los colores terciarios surgen cuando un color primario se mezcla con un secundario que le sigue en el orden del círculo cromático que puedes ver abajo. Tenemos seis colores terciarios que cumplen este requerimiento:
 A modo de conclusión en el apasionante mundo del arte, cada trazo y cada color cuentan una historia única. A lo largo de este blog, hemos explorado diversos consejos que pueden ayudarte a potenciar tu creatividad y desarrollar tu propio estilo artístico. Recuerda que el arte no solo se trata de la técnica, sino también de la expresión personal y la conexión emocional. Mis recomendaciones son:
-Gracias por su atención |
30/9/2024 Blog Personal Informativo
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